Este artigo, criado por Marc Dery, foi publicado na revista Keyboard US – outubro de 1991.
Kraftwerk é o elo perdido entre “Sex Machine” de James Brown e “Machine Sex” de Survival Research Laboratories. Na canção de Brown, o cantor se imagina um garanhão mecanizado, nunca cansativo, sempre capaz. No desempenho do SRL, as peças da máquina se movem e estremecem como seres humanos acoplados. O Kraftwerk faz um robo-pop que brinca com as suposições compartilhadas pelos ouvintes sobre a natureza mecânica do sexo e a sexualidade das máquinas. “Vivendo na era da máquina, nós mesmos nos tornamos muito robóticos”, observa Ralf Hutter, porta-voz do quarteto alemão de sintetizadores. “De certa forma, já nos fundimos com as máquinas. Não precisa ser físico; está acontecendo psicologicamente. Quando entramos em nosso estúdio de gravação, nos conectamos e nos tornamos parte do maquinário.” Miscigenação entre homem e máquina-robô-cópula, com outro nome. O mecano-erotismo da banda não é sem precedentes.
O dadaísta Max Ernst produziu um desenho sardônico de uma máquina de sexo seguro projetada “para polinização destemida”, e The Bride Stripped Bare de Her Bachelors, Even, uma pintura hermética em vidro do surrealista francês Marcel Duchamp, retrata um orgasmatron bem oleado que funciona com “aditivado”.
O tecnofetichismo do Kraftwerk também tem seus paralelos contemporâneos: The Party Machine, uma discoteca de TV modelada após o Soul Train, apresenta dançarinos seminuas transando contra um pano de fundo de engrenagens e medidores diretamente da metrópole de Fritz Lang, enquanto o cartunista japonês Hajime Sorayama sonha com robôs sedutores nus, seus elegantes membros cromados polidos para um acabamento espelhado. Quase desde o início, o Kraftwerk produziu música sexual automatizada para robotopians.
Hutter e o co-fundador Florian Schneider se conheceram em 1968 enquanto frequentavam o Conservatório de Dusseldorf; Hütter estava estudando piano clássico, e flauta Schneider. Ambos foram fortemente influenciados pelo vale industrial da vizinha Renânia (Rhineland) e pelas colagens de fitas e paisagens sonoras sintetizadas do compositor vanguardista Karlheinz Stockhausen.
Certa vez, Hutter disse a um entrevistador da revista inglesa Sounds: “Fomos treinados em instrumentos clássicos, … mas descobrimos que os instrumentos normais eram muito limitados. Desde o início, pensamos em nossa música visualmente, criando filmes em nossos cérebros e transmitindo-os ao público, mas os instrumentos tradicionais sempre fazem você pensar na pessoa que os toca.” Com o tempo, os dois colaboradores conseguiram um gravador, um órgão Farfisa usado e vários amplificadores alemães.
Pouco a pouco, eles aumentaram seu arsenal sonoro, acrescentando sintetizadores, sequenciadores, caixas de ritmo e dispositivos únicos, construídos a partir do zero. Em 1970 eles abriram seu próprio estúdio de gravação, Kling Klang, e em 1871 formaram o Kraftwerk (o nome pode ser traduzido como “usina de elétrica”). Kraftwerk, junto com Can, Tangerine Dream e Yellow Magic Orchestra, foi um dos primeiros grupos a evitar o folk elétrico desgrenhado tocado em guitarras e bateria para o rock Racketeer aerodinâmico produzido em instrumentos de botão. Como o compositor futurista Luigi Russolo, que se autodenominava um “noisician”, Hütter e Schneider preferiam o rótulo klangchemiker (“químicos do som”) aos “músicos” mais tradicionais.
Os primeiros esforços, como a estreia em disco duplo de 1972, Kraftwerk, e Ralf and Florian, seu sucessor de 1973, convidam à comparação com a suíte de Stockhausen de 1968 para rádios de ondas curtas, Kurzwellen, ou o ruído bruitista do som mecanizado de “noise intoners” de Russolo. máquinas projetadas para evocar o burburinho urbano ao girar de uma manivela.
O grupo ganhou amplo reconhecimento em 1974 com Autobahn, supostamente o primeiro disco pop totalmente sintetizado. Lançado nos Estados Unidos no ano seguinte, alcançou o quinto lugar nas paradas de álbuns da Billboard, impulsionado pelo sucesso improvável da faixa-título de 22 minutos e meio, uma pintura sonora minimalista de uma viagem ao longo da autoestrada alemã, completa com buzinas e carros barulhentos. Em lançamentos posteriores, o grupo compôs letras sobre calculadoras de bolso e computadores pessoais para techno-disco que é tão duro e oco quanto a cabeça de um manequim de plástico. Em concerto - a palavra "ao vivo" parece singularmente inapropriada - a banda borrou ainda mais a fronteira entre o orgânico e o cibernético.
Seus ternos idênticos, cabelos curtos penteados para trás e rostos pintados, reduzidos a máscaras de homem comum com branco de palhaço e batom escuro, aludiam a homens de empresa sem rosto e sem alma, as proverbiais engrenagens da máquina corporativa. Suas feições congeladas, seus movimentos espasmódicos e repetitivos, eles se assemelhavam a trabalhadores automatizados em um filme expressionista alemão. Ouvido com ouvidos dos anos 90, muito do catálogo do Kraftwerk evoca house music.
Talvez por isso seu último lançamento, The Mix, use tão bem suas referências house. O disco reúne 11 dos números mais conhecidos do grupo reconstruídos usando materiais recém-gravados combinados com amostras digitais de “sons de sintetizador antigos retirados das fitas master analógicas. Todos foram adaptados com timbres, ritmos e produção de alto brilho. O ritmo árduo e árduo de “Autobahn” é muito aprimorado pela introdução da sensação de trigêmeos suingantes, e a nova leitura “Pocket Calculator” possui um baixo robusto que torna o som original anêmico em comparação. Da mesma forma, onde a versão de “The Robots” que aparece em The Man-Machine é prejudicada por seu ritmo rígido e referida como claustrofóbica pelo espaço apertado e refletido em que parece estar situada, a interpretação de 118″ transporta a música a uma localização panorâmica e agiliza os seus ritmos.
O grupo poderia ser acusado de tendência se não fosse pelo fato de o Kraftwerk ter inventado a house music, de certa forma. Seu single de 1977, “Trans-Europe Express”, tornou-se um sucesso de discoteca quando o DJ de hip-hop Afrika Bambaataa e o produtor Arthur Baker lançaram uma versão desconstruída, “Planet Rock”, em 1982.
Arqueólogos pop podem escavar a música no Tommy Boy (Greatest Beats.) “Acho que [Kraftwerk] nem sabia o quão grande eles eram entre as massas negras em 77, quando lançaram 'Trans-Europe Express'”, lembrou Bambaataa em David Para reservar, The Rap Attack. “Achei aquele um dos melhores e mais estranhos discos que já ouvi na minha vida.
Todo mundo simplesmente enlouqueceu, acho que descobriram quando chegaram em primeiro lugar e fizeram uma apresentação no Ritz o quão grande era [sic]. Eles tiveram quatro bis e o par não os deixou sair. Isso é incrível de ver, eles pegaram, tipo, calculadoras e algo assim. Foi funky, Eles realmente superaram aquelas máquinas do tipo industrial,” Planet Rock” ensinou a uma geração de sintetizadores que girar botões poderia realmente produzir resultados, dando origem à alma de silício de Human League e ao grandioso e desmaiado “novo romântico” rock do Ultravox e Depeche Mode.
David Bowie, cujos fãs que passam registram flutuações no zeitgeist com mais precisão do que um contador Geiger, usou suas gravações como música ambiente em salas de concerto durante seu Station to Station de 1976. A influência do Kraftwerk ecoa alto e longo, ao lado de Brian Eno, no lançamento de Bowie em 1977, Heroes, que inclui “V-2 Schneider”, uma homenagem à banda alemã. O remix no estilo do Bronx de “Trans-Europe Express” ajudou a gerar “electro-boogie”, um gênero rap caracterizado por Bleeps de fliperama, efeitos sonoros de desenhos animados e ritmos de locomotivas.
O electro-boogie é um precursor da escola “techno” de house music de Detroit, e nossos deejays continuam a incorporar discos de kraftwerk em suas mixagens ao vivo. Os ritmos de teletipo do grupo, as melodias animadas e os timbres abertamente sintéticos ressoam nas canções de Deee-Lite, 808 State, La Tour e outras bandas de dança da era do computador. Apropriadamente, “The Robots” é o primeiro single do novo álbum. Em setembro, durante a primeira turnê do grupo nos Estados Unidos em uma década, andróides semelhantes aos membros da banda atuarão como “homens de frente”.
Suas cabeças de plástico fotorrealistas repousam sobre torsos estilizados que lembram manequins de costureira, sustentados por hastes ancoradas em bases de metal; seus braços compridos como aranhas com fiação exposta culminam em mãos de manequim. “Os robôs têm pequenos motores que podemos controlar a partir de um teclado de computador”, explica Hutter. “Eles ficarão parados em um lugar, fazendo uma pequena dança de robô com os braços. Eles não se movem; se o fizessem, a tecnologia teria que ser muito mais complexa. Não somos a Disneylândia; há limites para nossos recursos econômicos”, Hütter e Schneider, juntamente com os novos membros da banda Fritz Hilpert e Fernando Abrantes, estarão em estações de trabalho digitais, digitando em teclados de computador e martelando teclas de sintetizador. No alto, imagens geradas por computador piscarão em enormes telas de vídeo. Ocasionalmente, Schneider decifra uma frase em sua “máquina de escrever cantante”, o dispositivo usado para construir vocais borbulhantes difusos a partir de fonemas sintetizados no Computer World.
Que uma banda teutônica e tecnotrônica como o Kraftwerk possa acabar sendo celebrada nas pistas de dança de Detroit e South Bronx, onde o sexo paira quase palpavelmente no ar, é uma ironia consumada. Marcel Jean, em sua História da Pintura Surrealista, oferece uma visão: “Diferentes escritores descreveram 'o frenesi sexual das fábricas, [seus] ritmos obsessivos, exalações, gritos, sons ofegantes, instrumentos pontiagudos brilhantes, hastes articuladas pingando suor, simulacros de amores inesgotáveis,
Não poderia o próprio homem tornar-se uma máquina em sua atividade amorosa e fazer amor indefinidamente, como seguidores negros ou hispânicos. Simplesmente aconteceu. Ficamos muito surpresos na época. Antes, sempre fomos considerados uma banda muito européia. Então, novamente, sempre houve um forte movimento disco na Europa, e sempre fomos grandes fanáticos por dança, fazendo nossa pequena dança de robô. Foi muito encorajador obter uma reação tão forte na América. Antes, o circuito do rock and roll era uma máquina? “Eu me sinto como uma máquina de sexo”, disse James Brown em coro. Mas talvez Hütter, cujo rock mecânico inspirou tanto suor frio, seja o melhor. “Para nós”, ele diz simplesmente, “as máquinas são divertidas”. maneiras que eu sou um pouco tímido sobre eletrônica.
Eles estavam presos à fórmula de guitarra, enquanto o público dançante era muito mais aberto a sons modernos. Então, em 1982, Afrika Bambaataa fez sua versão de “Trans-Europe Express”, que foi ótima, uma combinação muito boa de nosso tipo de eletro-música com rap. É uma mistura de culturas diferentes, e sempre gostamos disso. Esta é sua primeira turnê em quase uma década. Porque agora? Ralf Hutter: Bem, estamos trabalhando em nosso estúdio Kling Klang, e agora é tudo digital e nossos computadores estão funcionando. Demoramos bastante. É por isso que você decidiu refazer suas músicas antigas em um tempo, a fim de obter um estilo house na música The Mix juntos.
Pela primeira vez, agora, podemos tocar a música do jeito que a ouvimos, ao vivo. As músicas do The Mix não são remixes, estritamente falando. O comunicado de imprensa da Elektra os chama de “reinvenções. 11 Não usamos mais fitas; tudo é armazenado digitalmente e depois controlado por computador. Usamos todo o nosso catálogo anterior dos últimos 20 anos, amostrando os sons analógicos originais das fitas master de 16 faixas. Escolhemos aqueles sons que achamos únicos, ou insubstituíveis, ou talvez apenas em boa forma [risos], e depois outros mudamos ou alteramos. Estávamos interessados em usar sons originais de muito tempo atrás, de nossas velhas máquinas analógicas caseiras, adaptando tudo tecnicamente para os anos 1990. É apenas uma mistura de sons sampleados dos antigos mestres, além de sons eletrônicos totalmente sintéticos recém-gerados. Tudo é remontado. Mixar, para nós, é a forma de arte de fazer música hoje.
Você teve uma grande influência na dance music americana, particularmente no som techno baseado em Detroit.
Nós nos apresentamos em Detroit em 1981, eu acho, e ficamos surpresos com a forte recepção que tivemos da multidão de dança. Lembro-me de as pessoas ficarem surpresas por termos tantos seguidores negros ou hispânicos. Infelizmente, a turnê foi agendada de forma muito espontânea, porque ninguém pensou que haveria interesse, então tudo o que podíamos fazer naquele momento era adicionar mais alguns dias e voar por toda a América. Já que viajávamos tão rápido, nunca realmente desenvolvemos isso. Isso foi apenas um desenvolvimento natural da nossa música.
Sempre tivemos essas faixas de bateria eletrônica, mesmo antes do Roland TR-808 ganhar destaque, usando pequenas caixas de bateria e acionadores de bateria eletrônica caseiros nos anos 70, quando trabalhávamos com um engenheiro que desenvolveu esses pequenos pads de bateria para que poderíamos ser uma banda sem baterista. É apenas uma questão de tudo se encaixar. Você costuma falar sobre estar interessado em ritmos - especificamente, ritmos de dança - mas seus ritmos não são o que a maioria dos ouvintes chamaria de funky,
Como você concilia seu fascínio por padrões rígidos de staccato com seu desejo declarado de fazer grooves de dança funky?
Para nós, as máquinas são divertidas. Algumas máquinas geram loops rítmicos por acidente; outros foram programados para tocar uma batida. Nossa música é eletrônica, mas gostamos de pensar nela como música étnica da área industrial alemã - música folclórica industrial. Da nossa parte, tem a ver com o fascínio pelo que vemos à nossa volta, tentando incorporar o ambiente industrial na nossa música. Vindo de uma formação clássica, ficamos muito entediados com o passado e começamos a ouvir o presente. Essas máquinas, essas ferramentas de fazer música, estavam lá, e pensamos que poderíamos usá-las. Nossa tradição aqui foi quebrada, bombardeada. Por um lado, havia essa velha tradição - música clássica, toda aquela música de marcha para a geração mais velha. E do outro, as coisas modernas que foram construídas depois da guerra. Você tomou algumas decisões interessantes no The Mix, uma das quais foi mudar “Autobahn” de uma sensação de staccato direto para um groove de tripleto embaralhado. O que motivou isso? Algumas dessas músicas estão conosco há um bom tempo, e é assim que as tocamos ao vivo. Mudamos as coisas de cidade para cidade, de país para país.
Com a “Autobahn”, às vezes dirigimos um pouco mais rápido, às vezes um pouco mais devagar, dependendo do limite de velocidade. As buzinas dos carros na seção intermediária de “Autobahn” são sons sampleados ou aproximações analógicas? No The Mix, eles são sampleados das velhas fitas master “Autobahn”. Não conseguimos recriá-los porque utilizaram uma afinação especial; eles são acordes incorporados
tocando trítonos, para soar como a buzina de um carro. Nunca fomos capazes de recapturar aquele som analógico - acho que foi feito em um Moog ou ARP -, então apenas analisamos os ruídos originais e os usamos para comer algo chamado hupenkonzert. É uma expressão alemã comum que significa "carro para concerto" - em outras palavras, um engarrafamento, onde todo mundo está com raiva e buzinando. Joguei um pouco de hupenkonzert lá. Usamos ruído branco para criar o som do GU passando. A certa altura, quando o lyri vai, em alemão, “a estrada é uma fita cinza, com listras brancas e bordas verdes”, queríamos evocar a imagem do pneu de borracha cruzando essas listras brancas, então usamos uma rajada para trás de ruído branco. Como foi criado o voe subaquático distorcido naquela seção do meio? Usamos um instrumento programável por computador que Florian construiu, chamado Robot. Ele permite que você monte qualquer palavra a partir de fonemas pré-programados. É um coro mecânico, totalmente sintético. Queremos liberar a tecnologia para falar por si só, e quando usamos o Robovox nessa música, é como se os carros estivessem falando com sua buzina afinada Você realmente gostaria de viver em uma guerra onde todas as máquinas da sua vida, para o seu eletrodomésticos para o seu automob” falar com você? Bem, eles fazem!
Quando você abre seu ea: você pode ouvir a música escondida no ambiente. É muito melhor do que ouvir apenas música, que é apenas ruído sintonizado de qualquer maneira. A paisagem industrial é fascinante. Até as máquinas estão falando.
Quando você e Florian estavam cursando a Universidade de Ousseldorf, algum de vocês se opôs a alguma das peças c/assi do século XX inspiradas na estética da máquina, como a Sinfonia das Máquinas de Mossolov ou o Ballet Mechanique de Atheil?
Claro, mas mais importante, nós v. na área de Dusseldorf, que fica perto de Colo, onde ficava o estúdio eletrônico usado por Stockhausen, e não muito longe dos estúdios onde Pierre Boulez estava trabalhando, era uma prática comum aqui, a um preço bastante idade, para ir ouvir Stockhausen. A visão artística e a cena musical, especialmente a música eletrônica, eram bastante acessíveis; tinha programas de rádio de música eletrônica estranha a gente tinha acesso a tudo isso; fazia parte da educação, da nossa educação. Sempre nos consideramos os exploradores eletrônicos de segunda geração, depois de Stockhausen. Por sua vez, você foi uma influência poderosa do que pode ser considerado o terceiro gênero de artistas eletrônicos - como bandas dos anos 80 como vi e Depeche Mode, assim como David Bowie durante seu período em Berlim.
Suponho que influenciamos Bowie; em I isso é o que ele nos disse. Ele nos disse que quando veio pela primeira vez para a Alemanha, ouviu “Autobhan continuamente no rádio do carro. Nós nos encontramos na Alemanha, quando ele estava procurando um lugar para trabalhar, e sugerimos que ele tentasse Berlim. Assim, forneceu inspiração de uma espécie de qualidade eletrônica! No que diz respeito aos artistas britânicos, fizemos várias turnês muito longas na Inglaterra, onde encontramos alguns desses em clubes. Para nós, foi uma experiência maravilhosa esse tipo de interesse. Antes sempre fomos considerados forasteiros, e uau. Eu agora estou do lado de dentro.
Seu pronunciamento em sua entrevista para teclado em março de 82 de que você faz “música de alto-falante” é assustadoramente reminiscente da observação de Joseph Goebbels de que os nazistas não poderiam ter chegado ao poder sem o alto-falante. Existe um perigo inerente em seu tecnofetichismo?
Bem, sempre foi assim, desde a invenção da faca, que você poderia usar para cortar pão ou matar seu vizinho. não veem a tecnologia moderna como significativamente diferente. Para nós, qualquer perigo tem mais a ver com a situação psicológica entre homens e máquinas. Tentamos trabalhar do nosso lado, desenvolvendo uma atitude mais amigável em relação às máquinas e, como resultado, eles sempre foram muito amigáveis conosco. Pelo menos nunca tivemos choques elétricos ou acidentes.
Você trará dois novos membros da banda em sua turnê americana em setembro.
Na verdade, já os conhecemos - Fritz Hilpert e Fernando Abrantes - como engenheiros electrónicos há alguns anos. Eles farão percussão e maquinário, e Florian e eu programaremos nossos robôs e mixaremos. Usaremos projeções de vídeo em uma grande tela, imagens geradas por computador que correspondem às músicas junto com filmagens da Autobahn, filmagens do TransEurope Express e trechos de nossos vídeos. Descreva como seus robôs no palco funcionam. Eles são controlados por teclado. Um engenheiro alemão, alguém que Florian conhece, os programou. Normalmente, esse engenheiro trabalha em computadores de escritório e coisas assim, mas nós o convencemos a usar suas habilidades em outra área. Então os robôs são programados, mas podemos reprogramá-los. Veremos o quão confiáveis eles são e o quanto podemos fazê-los improvisar.
Por que você decidiu construir esses robôs em primeiro lugar?
Temos esta composição, “The Robots”, que apareceu originalmente em The Man-Machine: “Somos programados apenas para fazer/Qualquer coisa que você queira que façamos”. Antigamente, tínhamos manequins de showroom, mas eles não se mexiam, então decidimos que o próximo passo era ter robôs. São de plástico, têm braços de metal e os nossos rostos, remodelados. Eles são idênticos, embora talvez ao longo da turnê eles desenvolvam um pouco mais de individualidade.
De Hardware a Robocop a The Terminator, a cultura pop parece obcecada por robôs. Por que?
Porque são máquinas muito próximas do homem, tanto na aparência quanto no comportamento. Todo o nosso trabalho aborda essa estreita relação entre o homem e as máquinas. É por isso que escrevemos esta música, “The Robots”. Não nos sentimos alienados, porque trabalhamos há tantos anos tentando estabelecer algum tipo de relação mais próxima com as máquinas, uma abordagem mais holística do que apenas pensar nas máquinas como coisas externas, como armas para agressão ou o que quer que seja, mas sim como extensões de nós mesmos. Por sua vez, recebemos muito feedback deles, e é isso que nos fascina.
Você está interessado em realidade virtual e outros desenvolvimentos cibernéticos recentes?
Sim, de certa forma. Seria maravilhoso incorporar a realidade virtual em nossas apresentações. Quando viermos para a América, gostaríamos de conhecer algumas das pessoas na Califórnia que estão desenvolvendo essa tecnologia. Sabe, quando ouvi pela primeira vez a frase “realidade virtual”, pensei que, para mim, a música sempre foi como uma realidade virtual. Com algo como “Autobahn”, você pode realmente ver os arredores enquanto ouve, porque nossa música tem uma qualidade muito visual. Então, quando li pela primeira vez sobre realidade virtual, sobre pessoas entrando nesses mundos gerados por computador, pensei: 'Temos feito isso com a música todos esses anos.
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